導讀：
• 什么是雕塑？
• 雕塑的定義
• 史，雕塑的起源
• 雕塑理論（元素與設計原理）
• 使用的材料雕塑
• 斯通
• 玉
• 伍德
• 青銅
• 克萊
• 現代材料
• 雕塑類型
• 雕塑作為公共藝術
什么是雕塑？
雕塑是人類已知的最持久，也可以說是最偉大的美術形式，在西方文化的發展中發揮了重要作用。它的歷史和風格發展是西方藝術本身的歷史。它是古典文化成就的一個關鍵指標，并成為意大利文藝復興時期藝術發展的重要影響力 。連同建筑一起，它是紀念性宗教藝術的主要形式，幾個世紀以來（約400-1800年）是歐洲文明的驅動力 。即使在今天，盡管雕塑在不斷發展，但仍然是表達和紀念歷史人物和事件的主要方法。
在它的歷史上，它吸引了一些世界上最偉大的藝術家，包括古典雕塑家菲迪亞斯、埃盧瑟拉的米倫、波利克里托斯、斯科帕斯、利西普索斯、普拉西泰勒斯和萊奧查爾斯，以及多納泰羅（1386-1466）、米開朗基羅（1475-1654）、詹博洛尼亞（1529-1608）、偉大的貝爾尼尼（1598-1680）、奧古斯特羅丁（1840-1917），亨利·摩爾（1898-1986）、畢加索（1881-1973）、康斯坦丁·布蘭庫西（1876-1957）和達米安·赫斯特（1965年）。
在許多最好的藝術博物館中都可以找到這種歷史悠久的公共藝術形式的最高示例。
對于雕塑所涉及的成型過程或“可塑性”，也稱為“造型藝術”，雕塑的定義應相當簡單，但不幸的是并非如此。
不斷擴大的藝術形式
這是因為在20世紀，雕塑的定義或含義已大大擴展。隨著新雕塑工具和技術的發展，當代作品現在采用了各種各樣的新材料，技術和空間參考方案，以至于“雕塑”不再是一個固定的術語，而是指固定類別的對象或創作活動，而是一種不斷發展和重新定義自己的藝術形式。
傳統雕塑的定義
20世紀之前的傳統雕塑具有四個主要的特征。首先，這是唯一的三維藝術形式。第二，它具有代表性。第三，它被視為一種固體形式的藝術。所涉及的任何空白空間基本上都僅次于其體積或質量。而且，作為固體形式，它沒有運動。第四，傳統雕塑家僅使用兩種主要技術：雕刻或建模。也就是說，他們要么直接從所選材料（例如石頭，木頭）上雕刻，要么可以從內部用粘土，石膏，蠟等建造雕塑。傳統雕刻的模型源自古典的希臘和羅馬雕塑。
現當代雕塑的定義
雕塑藝術不再受傳統雕塑概念，材料或生產方法的限制。它不再僅是代表性的，而常常是完全抽象的。它也不是純粹的固態和靜態：它可能以一種重要的方式引用空白空間，也可能是動態的并且能夠移動。最后，除了雕刻或建模外，還可以通過多種方式進行組裝，膠合，投影（全息）或構造。結果，雕塑的傳統四點含義和定義不再適用。
雕塑的基本形式現已過時
以前，藝術史只了解兩種基本的雕塑形式：圓形雕塑（也稱為獨立雕塑）和浮雕 （包括淺浮雕，上浮雕和下沉浮雕）。如今，與光有關的雕塑的新形式（例如全息圖）和移動雕塑需要重新定義可能的形式。
當今雕塑的定義和意義
21世紀造型藝術的多樣性使我們只有一個明確的特征：三維。因此，雕塑的當前定義是這樣的：“雕塑是視覺藝術中唯一與表達的三維形式有關的分支。”
雕塑史
三維藝術始于史前雕塑。石器時代的已知最早的作品是Berekhat拉姆的金星和坦坦的金星，既原始肖像約會230,000 BCE或更早。此后，雕塑家活躍于所有古代文明以及迄今為止的所有主要藝術運動中。繼埃及雕塑之后，雕塑發展的主要黃金時期是：（1）古代（公元前500-27年）；（2）哥特時代（c.1150-1300）；（3）意大利文藝復興時期（c.1400-1600）；（4）巴洛克雕塑（1600-1700）。
雕塑理論
由于它的三維性質，并且可以在比（例如）繪畫更多的不同類型的位置中進行顯示，因此存在許多重要的概念和理論問題，這些問題和理論問題支配著雕塑的設計和生產。這是一個簡短的示例。
雕塑設計要素
雕塑的兩個主要元素是質量和空間。質量是指雕塑的主體，即包含在其表面中的實心鉆頭。空間是固體雕塑周圍的空氣，并通過多種方式與后者發生反應：首先，它定義了雕塑的邊緣；第二，它可以被雕塑的一部分包圍，形成空洞或空虛的區域。第三，它可以鏈接雕塑的各個獨立部分，從而使它們在整個空間中相互關聯。
可以根據對這兩個元素的處理方式來評估和區分雕塑作品。例如，一些雕塑家專注于雕塑的固體成分，而另一些雕塑家則更關注它與它所處的空間的關系（例如，它如何“穿越”空間或如何將其包圍）。將埃及文化與亞歷山大·卡爾德（1898-1976）和納姆·加博（1890-1977）的作品進行比較，您會明白我的意思。
（大多數）雕塑的另一個重要元素是其表面。根據它們是（例如）凸面或凹面，平面或模型，有色或無色，它們可以產生完全不同的視覺效果。例如，凸表面表示滿足感，飽足感，內部壓力和一般的“飽滿度”，而凹表面則表示外部壓力，內部不充分性和可能的??塌陷。再說一次，平坦的表面沒有三維的暗示，而模型化的表面-包含捕捉光/陰影的脊或凹陷的表面-可以傳達從黑暗中出現或退縮到黑暗中的3-D形式的強烈效果。畫家對明暗對比的使用。盡管現在大多數顏料的痕跡都消失了，但古代產生的大量雕塑（例如埃及，希臘，羅馬雕像/浮雕）和中世紀時期（例如哥特式大教堂的文化）都被涂料或其他著色材料覆蓋，包括金箔或銀箔以及其他珍貴的著色劑。或者，可以直接從象牙，玉器和黃金等珍貴的有色材料雕刻出來的雕刻家，也可以從它們的組合中雕刻出來。顏色顯然可以賦予表面具有（尤其是）紋理，比例，深度和形狀的不同屬性。波普藝術作品中可以看到現代雕刻家對色彩的有趣使用 直接從象牙，玉，金等貴重有色材料或其組合上雕刻的雕刻家。顏色顯然可以賦予表面具有（尤其是）紋理，比例，深度和形狀的不同屬性。波普藝術作品中可以看到現代雕刻家對色彩的有趣使用 直接從象牙，玉，金等貴重有色材料或其組合上雕刻的雕刻家。顏色顯然可以賦予表面具有（尤其是）紋理，比例，深度和形狀的不同屬性。波普藝術作品中可以看到現代雕刻家對色彩的有趣使用賈斯珀·約翰斯（Jasper Johns，生于1930年）的《啤酒罐》（Ale Cans，1964年，銅制油畫，Offentliche Kunstsammlung，巴塞爾）。
雕塑設計原理
這些規定了雕塑家處理方向，比例，比例， 清晰度和平衡等問題的方法。
方向
為了在雕塑本身，雕塑之間，雕塑之間與雕塑之間，雕塑與觀察者之間，雕塑與周圍環境之間營造一種和諧（或不和諧）的感覺，雕塑家通常會根據雕塑的特定空間計劃或方案進行創作。參考。通常基于軸和平面的系統的這種計劃對于保持線性比例至關重要。因此，例如，人物的姿態通常是參照四個基本平面來計算和創建的，即：軸性原理（例如，解剖運動），正面性原理（主要在古希臘的kouros站立圖中）雕塑），contrapposto-動態姿勢，其中，主體的曲折或匝遠離另一部分，由米開朗基羅（1475-1564）和詹博洛尼亞（1529至1608年）在作品例舉的一個部分-和chiastic 姿態（姿態，其中的重量身體主要停留在一條腿上，這是希臘古典時期的比喻雕塑的典型特征。
比例
雕塑家處理比例的方式差異很大。有些人（例如埃及雕塑家）觀察到了等級的非自然主義比例規則（例如，最大的神靈，第二大的法老王，最小的公民等）。其他雕塑家遵循了更自然主義但同樣具有象征意義的比例規則。相比之下，由于宗教或文化原因，許多部落文化采用的系統使身體的某些部位（例如頭部）具有更大的尺寸。此外，雕塑的特定位置可能需要特殊的比例方法。例如，從地面上看時，安裝在高大建筑物頂部的人像可能需要較大的上半身，以平衡透視效果。
比例尺
例如，這是指需要根據周圍環境的比例創建雕塑。漫步在任何主要的哥特式大教堂周圍，觀察裝飾門道，外墻和其他表面的雕塑規模的多樣性。此外，某些插圖的圣經場景組可能包含幾個不同的比例：圣母瑪利亞和耶穌的尺寸可能相似，而使徒（例如）的尺寸可能較小。
關節
這描述了雕塑圖形（和其他形式）是如何連接在一起的：主體的不同部分如何以單一形式合并，或者分開的部分如何結合在一起。現實主義的法國雕塑家奧古斯特·羅丹（Auguste Rodin（1840-1917））在他的形象中創造了印象派風格的連續性，而希臘早期的古典雕塑家（例如Polyklitus）和文藝復興時期的雕塑家則傾向于采用不同的弧形形式。
平衡
在獨立的形象雕塑中，平衡涉及兩個主要問題。首先，雕塑體必須是物理穩定的-容易以爬行或傾斜的姿態實現，而在站立的雕像中則不那么容易，尤其是向前或向后傾斜時。如果天生不穩定，則必須使用底座。其次，從構圖的角度來看，雕像必須具有動感或靜態平衡感。沒有這種和諧，美就幾乎不可能實現。
理解雕塑的最佳方法
您是否對雕塑設計理論的要素和原理的所有這些怪異概念感到困惑？不用擔心，許多藝術評論家也是如此。理解雕塑的最好方法是盡可能多地觀察雕塑，最好是肉體看。如果可能的話，請訪問距離您最近的公共美術館，并看一些希臘或文藝復興時期雕塑的副本。這應該使您很好地了解傳統風格的作品。此外，如果可行，請參觀任何展覽，其中包括抽象雕塑家的作品例如Umberto Boccioni（1882-1916），Jean Arp（1886-1966），Naum Gabo（1890-1977），Alexander Calder（1898-1976），Alberto Giacometti（1901-1966），Barbara Hepworth（1903-1975），Louise資產階級（1911-2010），索爾·勒維特（1928-2007）或理查德·塞拉（b.1939）。這些現代藝術家中任何一個的抽象雕塑作品都應該給您帶來很多思考。
用料
幾乎可以在三個維度上成型的任何材料都可以用于雕刻。但是某些材料，如石頭-尤其是硬石灰石（大理石）-木材，粘土，金屬（例如青銅），象牙和灰泥具有特殊的“塑性”屬性，因此從史前時代開始就受到雕塑家的廣泛歡迎。結果，在其大部分歷史中，雕塑都是使用四種基本方法創建的：石雕，木雕，青銅鑄造和陶土燒制。稀有的蝶形雕塑，僅保留給主要的邪教雕像使用。
石雕
石雕，可能是最早的紀念性雕塑形式，也是紀念性作品的最佳媒介，在舊石器時代很普遍。史前石雕的原型作品包括被稱為Berekhat Ram的維納斯（公元前230,000或更早）的玄武巖雕像和被稱為Tan-Tan的維納斯（公元前200,000或更早）的石英巖雕像 。從那時起，大概最大的石刻雕像是在 1150-1300年期間為沙特爾，巴黎圣母院，亞眠，蘭斯，科隆等歐洲哥特式大教堂建造的一系列圓柱雕像和浮雕。
雕刻了來自巖石形成的所有三個主要類別的石頭，包括火成巖（例如花崗巖），沉積巖（例如石灰石和砂巖）和變質巖（例如大理石）。Donatello和Michelangelo等藝術家在羅馬藝術和意大利文藝復興時期雕塑中使用純白色的意大利卡拉拉大理石，而希臘藝術家則更喜歡使用Pentelic大理石來制作帕臺農神廟 雕塑。（另請參閱：大理石雕塑。）中世紀晚期的愛爾蘭雕塑主要局限于用花崗巖制成的凱爾特人高十字架。
大理石雕塑的最高典范 是安提阿的亞歷山德羅斯的米洛斯維納斯（公元前130-100年）。Hagesander，Athenodoros和Polydorus的Laocoon和他的兒子們（約公元前42-20年）； 圣母憐子圖（1497-99）和米開朗基羅的大衛；巴洛克式的天才貝爾尼尼（Berini）的《圣特雷莎的迷魂藥（1647）》；新古典主義者安東尼奧·卡諾瓦（Antonio Canova）的《丘比特與普賽克（Cupid and Psyche）（1796-7）》；還有 法國天才奧古斯特·羅丹（1889）的《吻》。
玉雕
自新石器時代以來，玉雕一直是中國大師級工匠的專長，是最著名的硬石雕塑形式 。軟玉和翡翠是玉石的兩種最常見的類型，盡管也使用了軟玉（蛇紋石的一種形式）。中國人認為玉具有重要的品質，包括純度，美觀，壽命，甚至長生不老，而雕刻家則以玉石的光澤，半透明的顏色和陰影來評價玉石。
木雕
木雕是最古老，最連續的雕塑。對于小型作品特別方便，在史前時期以及后來的早期基督教雕塑時代，木雕被廣泛采用。例如，參見鍍金的橡木雕刻，稱為下呂克羅斯（Gero Cross，965-70，科隆大教堂），以及在中世紀晚期藝術時代曾在西方，尤其是德國擁有黃金時代：見證德國雕刻師Veit Stoss（1445-1533）和Tilman Riemenschneider（1460-1531）精美的宗教石灰木雕刻。后來，在巴洛克時代，木材經常以古埃及藝術的方式涂上灰泥灰泥并涂漆。現代木雕大師包括亨利·摩爾（Henry Moore）（1898-1986），他以榆木斜倚人物 （1936）聞名，以及芭芭拉·赫普沃斯（Barbara Hepworth）（1903-75）。
青銅雕塑
青銅雕刻 是一個復雜的過程，在中國，南美和埃及是獨立開發的。青銅鑄造需要用粘土，灰泥或蠟對模型進行建模，然后在澆鑄熔融青銅后將其除去。在文藝復興時期，失蠟方法是一種常用技術。這也是貝寧和約魯巴人在非洲雕塑中廣泛使用的技術。
著名的作品包括Mohenjo-Daro的《跳舞的女孩》（約公元前2500年），來自哈拉潘文化或印度梧桐谷文明的印度早期雕塑的杰作，以及大量的青銅色斑塊和雕塑（使用鑄模鑄造制成） ），其玉器裝飾位于中國中部河南省的黃河流域，其歷史可追溯至夏王朝至商代以后（公元前1750年左右）。
后來的青銅杰作包括Lorenzo Ghiberti（1378-1455）創作的《天堂之門》，Donatello（1386-1466）創作的David以及Giambologna 的Sabines強奸的米開朗基羅（c.1583），加來的居民（1884） 9）和地獄之門（1880-1917），由奧古斯特·羅丹（Auguste Rodin）創作，獨特形式的空間連續性（1913），由翁貝托·博西奧尼（Umberto Boccioni）（1882-1916），太空鳥 （1923），由羅馬尼亞抽象雕塑家康斯坦丁·布朗庫西（Constantin Brancusi，1876-年） 1957年）， 《割喉的女人》（1932年）和《行走的人我》（1960年），阿爾貝托·賈科梅蒂（1901-66），和奧斯普·扎德金（Ossip Zadkine）（1890-1967）的《被毀的城市（1953）》。
泥塑
雕刻粘土的歷史可以追溯到石器時代的舊石器時代。被稱為（當燒制的）兵馬俑雕塑時，它是所有雕刻方法中最具塑性的材料，用途廣泛，重量輕，價格便宜且經久耐用。盡管黏土主要用于基本模型，后來用青銅鑄造或用石雕雕刻，但它也已用于制作完整比例的雕塑。已知最早的泥塑是多爾尼·維斯頓尼斯（Dolni Vestonice）的金星（公元前26,000-24,000年），這是一種陶瓷小雕像，可追溯到格羅維提時期，在捷克共和國發現。舊石器時代的另一個杰作是圖克·奧杜伯特·野牛瑪格達琳時期（約公元前13500年），是未放火的兩個野牛的浮雕，位于法國阿里格的圖克·奧杜伯特洞穴中。史前的第三部杰作是塞納沃達思想家（公元前5,000年），這是在羅馬尼亞的中石器時代的哈曼吉亞文化時期創作的標志性的陶俑。
但是，最著名的泥塑作品必須是中國秦始皇秦始皇兵馬俑（“ Terracotta Warriors”），它是1974年在中國陜西省出土的8,000名泥塑戰士和馬匹的集合。可以追溯到公元前246-208年，這8,000名粘土士兵中的每一個都是獨特的，具有不同的面部表情和發型。
其他雕塑材料
其他用于制作雕塑的傳統材料包括象牙和鯨魚骨，以及貴金屬。
已知的最早的象牙/骨頭雕塑實例包括：在德國斯瓦比亞朱拉的沃格爾赫德洞穴中發現的著名的史前動物，鳥類和人類動物的猛象牙雕刻（公元前33,000-30,000年）；在Kostenky的金星（c.22,000 BCE），一個龐大的象牙雕刻一個女性形象，在俄羅斯發現的; 以及在施瓦本汝拉州發現的猛h象牙小雕像Hohlenstein-Stadel的獅子人（約公元前38,000年）。
用寶石制成的著名作品包括美索不達米亞雕塑，稱為公羊公羊（公元前2500年），由金箔，銅，青金石和紅色石灰石制成的小雕像，被發現于烏爾大死亡坑中; 以及俄羅斯北高加索地區的邁科普雕塑（Maikop Culpture）制成的邁科普金牛（公元前2500年），這是一尊金像（使用失蠟鑄造法制成）。
20世紀雕塑中使用的現代材料
20世紀雕刻家使用的材料包括次要材料，例如混凝土，以及不計其數的現代材料，例如不銹鋼，玻璃纖維，鋁，泡沫橡膠，紙漿，自行車零件，塑料，彩色玻璃，“發現”的物品， 等等。
用非傳統材料制成的20世紀著名雕塑包括：
• Merzbau（Merz建筑）（1923年），由紙屑，多媒體制成。
由庫爾特·史維特（Kurt Schwitters）（1887-1948）
• 龍蝦電話（1936年），由塑料，油漆石膏，混合媒體制成。
• Mae West嘴唇沙發（1937年），由木材和緞子制成。
兩者都是超現實主義藝術家薩爾瓦多·達利（Salvador Dali）（1904-89）
• 物件（“ Furry Breakfast”）（1936年），用毛皮覆蓋的杯子，碟子和湯匙。
由達達主義/超現實主義雕塑家Meret Oppenheim（1913-85）
• Young Shopper（1973），由聚酯纖維和玻璃纖維制成。
超現實主義美國雕塑家杜安·漢森（1925-96）
• 地板漢堡（1962年），由帆布，泡沫橡膠和紙板制成，
由美國流行藝術家克拉斯·奧爾登堡（Claes Oldenburg）出生（1929年生）
• 柏林交界處（1987年），由鋼制成，
由當代雕塑家理查德·塞拉（Richard Serra）出生（1939年生）
• 由開花植物，鋼鐵，木材和泥土制成的Puppy（1992）。
由當代新表現主義藝術家杰夫·昆斯（Jeff Koons）生于1955年
• Maman（1999）（蜘蛛），由鋼和大理石制成。
由“當代超現實主義者”路易絲·布爾喬亞（Louise Bourgeois）（1911-2010）
• 為了人類的頭顱，鉑金和鉆石制成的上帝之愛（2007）。
后現代主義雕塑家兼畫家達米恩·赫斯特（Damien Hirst）（1965年生）
雕塑的種類
這種3-D藝術的基本傳統形式是：獨立的雕塑，四周都被空間包圍；和浮雕雕塑（包括淺浮雕，中音浮雕或小屋浮雕，以及下沉浮雕），其設計保持附著在背景上，通常是石頭或木頭。救濟工作的例子可以在巨石藝術中看到，例如在紐格蘭奇（愛爾蘭），羅馬的圖拉真柱上，羅馬奧林匹亞的宙斯神廟和帕臺農神廟中發現的復雜螺旋雕刻。哥特式建筑浮雕出現在該時期的所有主要歐洲大教堂上：在沙特爾大教堂的南半部見證圣徒，在萊茵河大教堂的北半部見證使徒。
它也可以通過其主題進行分類。例如，像 多納泰羅和米開朗基羅的大衛的兩個版本一樣的雕像，通常是一個人的代表性全長3D肖像，而半身通常只描繪頭部，脖子和肩膀-參見喬治華盛頓的半身像。（1788年），作者是讓·安托萬·侯頓（Jean-Antoine Houdon，1741-1828年）。騎馬者的雕像，例如佛羅倫薩的科西莫·德·美第奇的Giambologna（1529-1608）的雕像，被稱為馬術雕像。也許有史以來最偉大的騎馬雕像是法爾科涅特的巴洛克風格的青銅騎士在圣彼得堡的Decembrist廣場：沙皇彼得大帝的紀念碑和俄羅斯雕塑的杰作，盡管這是法國人創作的。
作為公共藝術
雕塑生動活潑的物理表現使其成為一種理想的公共藝術形式：西方文化中的最高例子是巨石 陣的巨石，雅典帕臺農神廟的古典雕塑，愛爾蘭的凱爾特高十字架以及第十二/ 13世紀哥特式圓柱雕像和浮雕在法國北部和德國的大教堂。
宗教木雕是由雕刻大師像北方文藝復興時期采取的一個新的高度：蒂爾曼里門施奈德和維特斯特斯，其錯綜復雜的木制altarwork和俑清楚，而巴洛克反宗教改革刺激天主教的至尊例子基督教藝術的形式Gianlorenzo Bernini（1598-1680）創作的青銅和大理石雕塑，因Cornaro教堂系列（1645-52）而聞名，其中包括St Teresa的迷魂藥。
現代世俗的公共藝術以著名的雕塑為特色，例如自由女神像，芝加哥畢加索 -為芝加哥市政中心生產的一系列金屬人像和都柏林的尖塔建筑雕塑 ，被稱為“尖峰”，由伊恩·里奇（Ian Ritchie（b .1947）。當代公共雕塑通過其新的空間概念以及使用以多種裝置類型和固定形式的雕塑組裝或創造的日常材料，繼續挑戰3D藝術的傳統概念。
現代與后現代雕塑
自1960年代以來，所謂的現代藝術已被當代藝術或后現代主義所取代。與早期的現代主義者不同，今天的后現代主義雕塑家（例如，像克萊斯·奧爾登堡，羅伯特·印第安納州的流行藝術家和新流行音樂人的杰夫·昆斯）可以隨意使用各種各樣的材料，圖像和展示方法。風格趨于本地化，因為當代藝術運動中的當今趨勢是不信任19世紀末和20世紀初中葉的現代藝術運動的宏偉思想和國際主義。
• 什么是雕塑？
• 雕塑的定義
• 史，雕塑的起源
• 雕塑理論（元素與設計原理）
• 使用的材料雕塑
• 斯通
• 玉
• 伍德
• 青銅
• 克萊
• 現代材料
• 雕塑類型
• 雕塑作為公共藝術
什么是雕塑？
雕塑是人類已知的最持久，也可以說是最偉大的美術形式，在西方文化的發展中發揮了重要作用。它的歷史和風格發展是西方藝術本身的歷史。它是古典文化成就的一個關鍵指標，并成為意大利文藝復興時期藝術發展的重要影響力 。連同建筑一起，它是紀念性宗教藝術的主要形式，幾個世紀以來（約400-1800年）是歐洲文明的驅動力 。即使在今天，盡管雕塑在不斷發展，但仍然是表達和紀念歷史人物和事件的主要方法。
在它的歷史上，它吸引了一些世界上最偉大的藝術家，包括古典雕塑家菲迪亞斯、埃盧瑟拉的米倫、波利克里托斯、斯科帕斯、利西普索斯、普拉西泰勒斯和萊奧查爾斯，以及多納泰羅（1386-1466）、米開朗基羅（1475-1654）、詹博洛尼亞（1529-1608）、偉大的貝爾尼尼（1598-1680）、奧古斯特羅丁（1840-1917），亨利·摩爾（1898-1986）、畢加索（1881-1973）、康斯坦丁·布蘭庫西（1876-1957）和達米安·赫斯特（1965年）。
在許多最好的藝術博物館中都可以找到這種歷史悠久的公共藝術形式的最高示例。
對于雕塑所涉及的成型過程或“可塑性”，也稱為“造型藝術”，雕塑的定義應相當簡單，但不幸的是并非如此。
不斷擴大的藝術形式
這是因為在20世紀，雕塑的定義或含義已大大擴展。隨著新雕塑工具和技術的發展，當代作品現在采用了各種各樣的新材料，技術和空間參考方案，以至于“雕塑”不再是一個固定的術語，而是指固定類別的對象或創作活動，而是一種不斷發展和重新定義自己的藝術形式。
傳統雕塑的定義
20世紀之前的傳統雕塑具有四個主要的特征。首先，這是唯一的三維藝術形式。第二，它具有代表性。第三，它被視為一種固體形式的藝術。所涉及的任何空白空間基本上都僅次于其體積或質量。而且，作為固體形式，它沒有運動。第四，傳統雕塑家僅使用兩種主要技術：雕刻或建模。也就是說，他們要么直接從所選材料（例如石頭，木頭）上雕刻，要么可以從內部用粘土，石膏，蠟等建造雕塑。傳統雕刻的模型源自古典的希臘和羅馬雕塑。
現當代雕塑的定義
雕塑藝術不再受傳統雕塑概念，材料或生產方法的限制。它不再僅是代表性的，而常常是完全抽象的。它也不是純粹的固態和靜態：它可能以一種重要的方式引用空白空間，也可能是動態的并且能夠移動。最后，除了雕刻或建模外，還可以通過多種方式進行組裝，膠合，投影（全息）或構造。結果，雕塑的傳統四點含義和定義不再適用。
雕塑的基本形式現已過時
以前，藝術史只了解兩種基本的雕塑形式：圓形雕塑（也稱為獨立雕塑）和浮雕 （包括淺浮雕，上浮雕和下沉浮雕）。如今，與光有關的雕塑的新形式（例如全息圖）和移動雕塑需要重新定義可能的形式。
當今雕塑的定義和意義
21世紀造型藝術的多樣性使我們只有一個明確的特征：三維。因此，雕塑的當前定義是這樣的：“雕塑是視覺藝術中唯一與表達的三維形式有關的分支。”
雕塑史
三維藝術始于史前雕塑。石器時代的已知最早的作品是Berekhat拉姆的金星和坦坦的金星，既原始肖像約會230,000 BCE或更早。此后，雕塑家活躍于所有古代文明以及迄今為止的所有主要藝術運動中。繼埃及雕塑之后，雕塑發展的主要黃金時期是：（1）古代（公元前500-27年）；（2）哥特時代（c.1150-1300）；（3）意大利文藝復興時期（c.1400-1600）；（4）巴洛克雕塑（1600-1700）。
雕塑理論
由于它的三維性質，并且可以在比（例如）繪畫更多的不同類型的位置中進行顯示，因此存在許多重要的概念和理論問題，這些問題和理論問題支配著雕塑的設計和生產。這是一個簡短的示例。
雕塑設計要素
雕塑的兩個主要元素是質量和空間。質量是指雕塑的主體，即包含在其表面中的實心鉆頭。空間是固體雕塑周圍的空氣，并通過多種方式與后者發生反應：首先，它定義了雕塑的邊緣；第二，它可以被雕塑的一部分包圍，形成空洞或空虛的區域。第三，它可以鏈接雕塑的各個獨立部分，從而使它們在整個空間中相互關聯。
可以根據對這兩個元素的處理方式來評估和區分雕塑作品。例如，一些雕塑家專注于雕塑的固體成分，而另一些雕塑家則更關注它與它所處的空間的關系（例如，它如何“穿越”空間或如何將其包圍）。將埃及文化與亞歷山大·卡爾德（1898-1976）和納姆·加博（1890-1977）的作品進行比較，您會明白我的意思。
（大多數）雕塑的另一個重要元素是其表面。根據它們是（例如）凸面或凹面，平面或模型，有色或無色，它們可以產生完全不同的視覺效果。例如，凸表面表示滿足感，飽足感，內部壓力和一般的“飽滿度”，而凹表面則表示外部壓力，內部不充分性和可能的??塌陷。再說一次，平坦的表面沒有三維的暗示，而模型化的表面-包含捕捉光/陰影的脊或凹陷的表面-可以傳達從黑暗中出現或退縮到黑暗中的3-D形式的強烈效果。畫家對明暗對比的使用。盡管現在大多數顏料的痕跡都消失了，但古代產生的大量雕塑（例如埃及，希臘，羅馬雕像/浮雕）和中世紀時期（例如哥特式大教堂的文化）都被涂料或其他著色材料覆蓋，包括金箔或銀箔以及其他珍貴的著色劑。或者，可以直接從象牙，玉器和黃金等珍貴的有色材料雕刻出來的雕刻家，也可以從它們的組合中雕刻出來。顏色顯然可以賦予表面具有（尤其是）紋理，比例，深度和形狀的不同屬性。波普藝術作品中可以看到現代雕刻家對色彩的有趣使用 直接從象牙，玉，金等貴重有色材料或其組合上雕刻的雕刻家。顏色顯然可以賦予表面具有（尤其是）紋理，比例，深度和形狀的不同屬性。波普藝術作品中可以看到現代雕刻家對色彩的有趣使用 直接從象牙，玉，金等貴重有色材料或其組合上雕刻的雕刻家。顏色顯然可以賦予表面具有（尤其是）紋理，比例，深度和形狀的不同屬性。波普藝術作品中可以看到現代雕刻家對色彩的有趣使用賈斯珀·約翰斯（Jasper Johns，生于1930年）的《啤酒罐》（Ale Cans，1964年，銅制油畫，Offentliche Kunstsammlung，巴塞爾）。
雕塑設計原理
這些規定了雕塑家處理方向，比例，比例， 清晰度和平衡等問題的方法。
方向
為了在雕塑本身，雕塑之間，雕塑之間與雕塑之間，雕塑與觀察者之間，雕塑與周圍環境之間營造一種和諧（或不和諧）的感覺，雕塑家通常會根據雕塑的特定空間計劃或方案進行創作。參考。通常基于軸和平面的系統的這種計劃對于保持線性比例至關重要。因此，例如，人物的姿態通常是參照四個基本平面來計算和創建的，即：軸性原理（例如，解剖運動），正面性原理（主要在古希臘的kouros站立圖中）雕塑），contrapposto-動態姿勢，其中，主體的曲折或匝遠離另一部分，由米開朗基羅（1475-1564）和詹博洛尼亞（1529至1608年）在作品例舉的一個部分-和chiastic 姿態（姿態，其中的重量身體主要停留在一條腿上，這是希臘古典時期的比喻雕塑的典型特征。
比例
雕塑家處理比例的方式差異很大。有些人（例如埃及雕塑家）觀察到了等級的非自然主義比例規則（例如，最大的神靈，第二大的法老王，最小的公民等）。其他雕塑家遵循了更自然主義但同樣具有象征意義的比例規則。相比之下，由于宗教或文化原因，許多部落文化采用的系統使身體的某些部位（例如頭部）具有更大的尺寸。此外，雕塑的特定位置可能需要特殊的比例方法。例如，從地面上看時，安裝在高大建筑物頂部的人像可能需要較大的上半身，以平衡透視效果。
比例尺
例如，這是指需要根據周圍環境的比例創建雕塑。漫步在任何主要的哥特式大教堂周圍，觀察裝飾門道，外墻和其他表面的雕塑規模的多樣性。此外，某些插圖的圣經場景組可能包含幾個不同的比例：圣母瑪利亞和耶穌的尺寸可能相似，而使徒（例如）的尺寸可能較小。
關節
這描述了雕塑圖形（和其他形式）是如何連接在一起的：主體的不同部分如何以單一形式合并，或者分開的部分如何結合在一起。現實主義的法國雕塑家奧古斯特·羅丹（Auguste Rodin（1840-1917））在他的形象中創造了印象派風格的連續性，而希臘早期的古典雕塑家（例如Polyklitus）和文藝復興時期的雕塑家則傾向于采用不同的弧形形式。
平衡
在獨立的形象雕塑中，平衡涉及兩個主要問題。首先，雕塑體必須是物理穩定的-容易以爬行或傾斜的姿態實現，而在站立的雕像中則不那么容易，尤其是向前或向后傾斜時。如果天生不穩定，則必須使用底座。其次，從構圖的角度來看，雕像必須具有動感或靜態平衡感。沒有這種和諧，美就幾乎不可能實現。
理解雕塑的最佳方法
您是否對雕塑設計理論的要素和原理的所有這些怪異概念感到困惑？不用擔心，許多藝術評論家也是如此。理解雕塑的最好方法是盡可能多地觀察雕塑，最好是肉體看。如果可能的話，請訪問距離您最近的公共美術館，并看一些希臘或文藝復興時期雕塑的副本。這應該使您很好地了解傳統風格的作品。此外，如果可行，請參觀任何展覽，其中包括抽象雕塑家的作品例如Umberto Boccioni（1882-1916），Jean Arp（1886-1966），Naum Gabo（1890-1977），Alexander Calder（1898-1976），Alberto Giacometti（1901-1966），Barbara Hepworth（1903-1975），Louise資產階級（1911-2010），索爾·勒維特（1928-2007）或理查德·塞拉（b.1939）。這些現代藝術家中任何一個的抽象雕塑作品都應該給您帶來很多思考。
用料
幾乎可以在三個維度上成型的任何材料都可以用于雕刻。但是某些材料，如石頭-尤其是硬石灰石（大理石）-木材，粘土，金屬（例如青銅），象牙和灰泥具有特殊的“塑性”屬性，因此從史前時代開始就受到雕塑家的廣泛歡迎。結果，在其大部分歷史中，雕塑都是使用四種基本方法創建的：石雕，木雕，青銅鑄造和陶土燒制。稀有的蝶形雕塑，僅保留給主要的邪教雕像使用。
石雕
石雕，可能是最早的紀念性雕塑形式，也是紀念性作品的最佳媒介，在舊石器時代很普遍。史前石雕的原型作品包括被稱為Berekhat Ram的維納斯（公元前230,000或更早）的玄武巖雕像和被稱為Tan-Tan的維納斯（公元前200,000或更早）的石英巖雕像 。從那時起，大概最大的石刻雕像是在 1150-1300年期間為沙特爾，巴黎圣母院，亞眠，蘭斯，科隆等歐洲哥特式大教堂建造的一系列圓柱雕像和浮雕。
雕刻了來自巖石形成的所有三個主要類別的石頭，包括火成巖（例如花崗巖），沉積巖（例如石灰石和砂巖）和變質巖（例如大理石）。Donatello和Michelangelo等藝術家在羅馬藝術和意大利文藝復興時期雕塑中使用純白色的意大利卡拉拉大理石，而希臘藝術家則更喜歡使用Pentelic大理石來制作帕臺農神廟 雕塑。（另請參閱：大理石雕塑。）中世紀晚期的愛爾蘭雕塑主要局限于用花崗巖制成的凱爾特人高十字架。
大理石雕塑的最高典范 是安提阿的亞歷山德羅斯的米洛斯維納斯（公元前130-100年）。Hagesander，Athenodoros和Polydorus的Laocoon和他的兒子們（約公元前42-20年）； 圣母憐子圖（1497-99）和米開朗基羅的大衛；巴洛克式的天才貝爾尼尼（Berini）的《圣特雷莎的迷魂藥（1647）》；新古典主義者安東尼奧·卡諾瓦（Antonio Canova）的《丘比特與普賽克（Cupid and Psyche）（1796-7）》；還有 法國天才奧古斯特·羅丹（1889）的《吻》。
玉雕
自新石器時代以來，玉雕一直是中國大師級工匠的專長，是最著名的硬石雕塑形式 。軟玉和翡翠是玉石的兩種最常見的類型，盡管也使用了軟玉（蛇紋石的一種形式）。中國人認為玉具有重要的品質，包括純度，美觀，壽命，甚至長生不老，而雕刻家則以玉石的光澤，半透明的顏色和陰影來評價玉石。
木雕
木雕是最古老，最連續的雕塑。對于小型作品特別方便，在史前時期以及后來的早期基督教雕塑時代，木雕被廣泛采用。例如，參見鍍金的橡木雕刻，稱為下呂克羅斯（Gero Cross，965-70，科隆大教堂），以及在中世紀晚期藝術時代曾在西方，尤其是德國擁有黃金時代：見證德國雕刻師Veit Stoss（1445-1533）和Tilman Riemenschneider（1460-1531）精美的宗教石灰木雕刻。后來，在巴洛克時代，木材經常以古埃及藝術的方式涂上灰泥灰泥并涂漆。現代木雕大師包括亨利·摩爾（Henry Moore）（1898-1986），他以榆木斜倚人物 （1936）聞名，以及芭芭拉·赫普沃斯（Barbara Hepworth）（1903-75）。
青銅雕塑
青銅雕刻 是一個復雜的過程，在中國，南美和埃及是獨立開發的。青銅鑄造需要用粘土，灰泥或蠟對模型進行建模，然后在澆鑄熔融青銅后將其除去。在文藝復興時期，失蠟方法是一種常用技術。這也是貝寧和約魯巴人在非洲雕塑中廣泛使用的技術。
著名的作品包括Mohenjo-Daro的《跳舞的女孩》（約公元前2500年），來自哈拉潘文化或印度梧桐谷文明的印度早期雕塑的杰作，以及大量的青銅色斑塊和雕塑（使用鑄模鑄造制成） ），其玉器裝飾位于中國中部河南省的黃河流域，其歷史可追溯至夏王朝至商代以后（公元前1750年左右）。
后來的青銅杰作包括Lorenzo Ghiberti（1378-1455）創作的《天堂之門》，Donatello（1386-1466）創作的David以及Giambologna 的Sabines強奸的米開朗基羅（c.1583），加來的居民（1884） 9）和地獄之門（1880-1917），由奧古斯特·羅丹（Auguste Rodin）創作，獨特形式的空間連續性（1913），由翁貝托·博西奧尼（Umberto Boccioni）（1882-1916），太空鳥 （1923），由羅馬尼亞抽象雕塑家康斯坦丁·布朗庫西（Constantin Brancusi，1876-年） 1957年）， 《割喉的女人》（1932年）和《行走的人我》（1960年），阿爾貝托·賈科梅蒂（1901-66），和奧斯普·扎德金（Ossip Zadkine）（1890-1967）的《被毀的城市（1953）》。
泥塑
雕刻粘土的歷史可以追溯到石器時代的舊石器時代。被稱為（當燒制的）兵馬俑雕塑時，它是所有雕刻方法中最具塑性的材料，用途廣泛，重量輕，價格便宜且經久耐用。盡管黏土主要用于基本模型，后來用青銅鑄造或用石雕雕刻，但它也已用于制作完整比例的雕塑。已知最早的泥塑是多爾尼·維斯頓尼斯（Dolni Vestonice）的金星（公元前26,000-24,000年），這是一種陶瓷小雕像，可追溯到格羅維提時期，在捷克共和國發現。舊石器時代的另一個杰作是圖克·奧杜伯特·野牛瑪格達琳時期（約公元前13500年），是未放火的兩個野牛的浮雕，位于法國阿里格的圖克·奧杜伯特洞穴中。史前的第三部杰作是塞納沃達思想家（公元前5,000年），這是在羅馬尼亞的中石器時代的哈曼吉亞文化時期創作的標志性的陶俑。
但是，最著名的泥塑作品必須是中國秦始皇秦始皇兵馬俑（“ Terracotta Warriors”），它是1974年在中國陜西省出土的8,000名泥塑戰士和馬匹的集合。可以追溯到公元前246-208年，這8,000名粘土士兵中的每一個都是獨特的，具有不同的面部表情和發型。
其他雕塑材料
其他用于制作雕塑的傳統材料包括象牙和鯨魚骨，以及貴金屬。
已知的最早的象牙/骨頭雕塑實例包括：在德國斯瓦比亞朱拉的沃格爾赫德洞穴中發現的著名的史前動物，鳥類和人類動物的猛象牙雕刻（公元前33,000-30,000年）；在Kostenky的金星（c.22,000 BCE），一個龐大的象牙雕刻一個女性形象，在俄羅斯發現的; 以及在施瓦本汝拉州發現的猛h象牙小雕像Hohlenstein-Stadel的獅子人（約公元前38,000年）。
用寶石制成的著名作品包括美索不達米亞雕塑，稱為公羊公羊（公元前2500年），由金箔，銅，青金石和紅色石灰石制成的小雕像，被發現于烏爾大死亡坑中; 以及俄羅斯北高加索地區的邁科普雕塑（Maikop Culpture）制成的邁科普金牛（公元前2500年），這是一尊金像（使用失蠟鑄造法制成）。
20世紀雕塑中使用的現代材料
20世紀雕刻家使用的材料包括次要材料，例如混凝土，以及不計其數的現代材料，例如不銹鋼，玻璃纖維，鋁，泡沫橡膠，紙漿，自行車零件，塑料，彩色玻璃，“發現”的物品， 等等。
用非傳統材料制成的20世紀著名雕塑包括：
• Merzbau（Merz建筑）（1923年），由紙屑，多媒體制成。
由庫爾特·史維特（Kurt Schwitters）（1887-1948）
• 龍蝦電話（1936年），由塑料，油漆石膏，混合媒體制成。
• Mae West嘴唇沙發（1937年），由木材和緞子制成。
兩者都是超現實主義藝術家薩爾瓦多·達利（Salvador Dali）（1904-89）
• 物件（“ Furry Breakfast”）（1936年），用毛皮覆蓋的杯子，碟子和湯匙。
由達達主義/超現實主義雕塑家Meret Oppenheim（1913-85）
• Young Shopper（1973），由聚酯纖維和玻璃纖維制成。
超現實主義美國雕塑家杜安·漢森（1925-96）
• 地板漢堡（1962年），由帆布，泡沫橡膠和紙板制成，
由美國流行藝術家克拉斯·奧爾登堡（Claes Oldenburg）出生（1929年生）
• 柏林交界處（1987年），由鋼制成，
由當代雕塑家理查德·塞拉（Richard Serra）出生（1939年生）
• 由開花植物，鋼鐵，木材和泥土制成的Puppy（1992）。
由當代新表現主義藝術家杰夫·昆斯（Jeff Koons）生于1955年
• Maman（1999）（蜘蛛），由鋼和大理石制成。
由“當代超現實主義者”路易絲·布爾喬亞（Louise Bourgeois）（1911-2010）
• 為了人類的頭顱，鉑金和鉆石制成的上帝之愛（2007）。
后現代主義雕塑家兼畫家達米恩·赫斯特（Damien Hirst）（1965年生）
雕塑的種類
這種3-D藝術的基本傳統形式是：獨立的雕塑，四周都被空間包圍；和浮雕雕塑（包括淺浮雕，中音浮雕或小屋浮雕，以及下沉浮雕），其設計保持附著在背景上，通常是石頭或木頭。救濟工作的例子可以在巨石藝術中看到，例如在紐格蘭奇（愛爾蘭），羅馬的圖拉真柱上，羅馬奧林匹亞的宙斯神廟和帕臺農神廟中發現的復雜螺旋雕刻。哥特式建筑浮雕出現在該時期的所有主要歐洲大教堂上：在沙特爾大教堂的南半部見證圣徒，在萊茵河大教堂的北半部見證使徒。
它也可以通過其主題進行分類。例如，像 多納泰羅和米開朗基羅的大衛的兩個版本一樣的雕像，通常是一個人的代表性全長3D肖像，而半身通常只描繪頭部，脖子和肩膀-參見喬治華盛頓的半身像。（1788年），作者是讓·安托萬·侯頓（Jean-Antoine Houdon，1741-1828年）。騎馬者的雕像，例如佛羅倫薩的科西莫·德·美第奇的Giambologna（1529-1608）的雕像，被稱為馬術雕像。也許有史以來最偉大的騎馬雕像是法爾科涅特的巴洛克風格的青銅騎士在圣彼得堡的Decembrist廣場：沙皇彼得大帝的紀念碑和俄羅斯雕塑的杰作，盡管這是法國人創作的。
作為公共藝術
雕塑生動活潑的物理表現使其成為一種理想的公共藝術形式：西方文化中的最高例子是巨石 陣的巨石，雅典帕臺農神廟的古典雕塑，愛爾蘭的凱爾特高十字架以及第十二/ 13世紀哥特式圓柱雕像和浮雕在法國北部和德國的大教堂。
宗教木雕是由雕刻大師像北方文藝復興時期采取的一個新的高度：蒂爾曼里門施奈德和維特斯特斯，其錯綜復雜的木制altarwork和俑清楚，而巴洛克反宗教改革刺激天主教的至尊例子基督教藝術的形式Gianlorenzo Bernini（1598-1680）創作的青銅和大理石雕塑，因Cornaro教堂系列（1645-52）而聞名，其中包括St Teresa的迷魂藥。
現代世俗的公共藝術以著名的雕塑為特色，例如自由女神像，芝加哥畢加索 -為芝加哥市政中心生產的一系列金屬人像和都柏林的尖塔建筑雕塑 ，被稱為“尖峰”，由伊恩·里奇（Ian Ritchie（b .1947）。當代公共雕塑通過其新的空間概念以及使用以多種裝置類型和固定形式的雕塑組裝或創造的日常材料，繼續挑戰3D藝術的傳統概念。
現代與后現代雕塑
自1960年代以來，所謂的現代藝術已被當代藝術或后現代主義所取代。與早期的現代主義者不同，今天的后現代主義雕塑家（例如，像克萊斯·奧爾登堡，羅伯特·印第安納州的流行藝術家和新流行音樂人的杰夫·昆斯）可以隨意使用各種各樣的材料，圖像和展示方法。風格趨于本地化，因為當代藝術運動中的當今趨勢是不信任19世紀末和20世紀初中葉的現代藝術運動的宏偉思想和國際主義。